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Découvrez les œuvres de l’exposition La fête de l’insignifiance commentées par Leïla Couradin, commissaire de l’exposition.

Malgré la fermeture imposée aux lieux culturels en novembre 2020, La Kunsthalle a fait le choix de maintenir l’exposition La fête de l’insignifiance et de l’ouvrir « à distance » dans un premier temps au public, avec une série de rendez-vous.
Ainsi, le public a été invité à visiter à distance l’exposition, projetée en boucle sur la façade de la Fonderie, le bâtiment qui héberge le centre d’art.
Pendant cette plage de deux heures, un diaporama d’une dizaine de minutes était à découvrir à la convenance de chacun·e !

Sélection d’œuvres de l’exposition à voir de chez soi.

Pour faire vivre l’exposition La fête de l’insignifiance en dehors des murs du centre d’art, nous vous invitons à en découvrir les œuvres vidéos, sonores et performées confortablement installé·e·s dans votre canapé. Faites chauffer du pop corn ou un bol de chocolat et rejoignez le Ciné-Club !

Au programme :

• Marion Aeschlimann & Arthur Debert, Wuthering 3 – Les Martiens, 2020 – performance en direct – disponible en podcat ainsi que les deux précédents épisodes sur : https://wuthering.hotglue.me/
• Amélie Bargetzi, Mon-Idée, 2017 – vidéo
• Kaltrinë Rrustemi, Hommage à la Guerre que je n’ai pas vécue, 2019 – capture vidéo et sonore de l‘installation
• Jannik Giger, Sunday lovers, 2017 – vidéo
• Eva Borner, Morgen nicht, 2018 – capture vidéo et sonore de l‘installation

Durée une heure environ. Accès libre et gratuit.

Immersion dans l’exposition et l’œuvre de Milan Kundera.

La fête de l’insignifiance, tirée du roman éponyme de Milan Kundera et construite à partir de toute l’Œuvre de l’auteur, propose au visiteur de faire l’expérience d’une aventure romanesque parfaitement ordinaire et pourtant source des plus grandes questions existentielles : la vie humaine.
Une sélection de textes de Milan Kundera sera lue au sein de l’exposition par Emmanuelle Filippi-Hahn, conteuse et Eric Kheliff, comédien.

Accès libre et gratuit.

Découverte de l’exposition La fête de l’insignifiance devant un verre de vin, à travers les yeux et les crayons d’un·e autre.

La Kunsthalle vous propose un Kunstapéro sous forme d’une dégustation et d’un « Colin-Maillard »* à distance… L’exposition n’étant pas accessible au public, nous vous invitons à la découvrir de chez vous. Via la description orale d’une sélection d’œuvres et par le dessin que réaliseront en direct et à l’aveugle deux illustrateurs·trices, Fanny Delqué et Vincent Vanoli, La fête de l’insignifiance vous sera peu à peu dévoilée. Chaque œuvre dessinée sera ensuite confrontée à sa photographie commentée par Leïla Couradin, commissaire de l’exposition.

Afin de garder l’esprit du Kunstapéro, Nicolas Jeangeorges et Dominique Bannwarth ont sélectionné un vin en écho à l’exposition et qu’ils vous présenteront : Muscat d’Alsace Mittelweg, 2019 – Domaine Gross (Gueberschwihr)

* Protocole de visite d’exposition Colin-Maillard
Visite en duo mise au point par le Laboratoire de Tourisme Expérimental de Strasbourg (Latourex). Privé de la vue par un bandeau, le visiteur est guidé par son binôme qui lui fait découvrir les œuvres avec une description orale personnelle. Jouant sur une approche subjective, cette découverte verbale peut être suivie, au choix, d’une visite où, la vue retrouvée, le visiteur confronte son imaginaire à celui de l’artiste et des œuvres décrites.

Accès libre et gratuit sur la chaîne Youtube de La Kunsthalle.

En partenariat avec la Fédération Culturelle des Vins de France et Mulhouse Art Contemporain.

Afin de (re)découvrir les vidéos présentées dans les salles d’exposition, La Kunsthalle vous propose un programme de diffusion des films de l’exposition Le monument, le labeur et l’hippocampe sur internet, en accès libre pendant 24 heures.
Les liens vers les vidéos apparaîtront sur cette page et sur les réseaux sociaux : Facebook, Twitter et Instagram.

Samedi 7 novembre
Irina Botea Bucan et Jon Dean, The Building Will Have a Future, She said, 2018

Vidéo HD, 15’10. Courtesy des artistes.

Dimanche 8 novembre
Zhanna Kadyrova, Second Hand, 2015-2019

Documentation vidéo – Darnitsky Silk Factory. Courtesy de l’artiste et de Galleria Continua

Mercredi 11 novembre
Igor Grubic, How steel was tempered, 2018

Vidéo, animation 2D, couleur, son – 12’40. Courtesy de l’artiste et de Laveronica arte contemporanea

Samedi 14 novembre
Irina Botea Bucan et Jon Dean, Worker’s Club: Victoria, 2019

Vidéo HD, 10’6. Courtesy des artistes

Les deux films avec Tanja Boukal, réalisés par Marie Bannwarth et produits par La Kunsthalle à l’occasion de l’exposition, sont disponibles en continu.

Sur les traces de DMC… avec Tanja Boukal, 2020

La Kunsthalle remercie chaleureusement Le 19 – CRAC de Montbéliard pour l’hébergement en ligne des vidéos

Marie-Claire Vitoux, historienne et Véronique Arnold, artiste tenteront ensemble de confronter leurs interrogations réciproques, de comprendre en quoi la création peut être tour à tour considérée comme une citation, une relecture, une réactivation et une réactualisation du passé. Elles se demanderont si le tissage et la broderie seraient les métaphores d’un monde féminin souhaitable et désiré ?

Dialogue entre Marie-Claire Vitoux, historienne et Véronique Arnold, artiste autour de ses œuvres.
La rencontre sera transmise en direct sur Radio MNE (en ligne ou DAB+ ; à Mulhouse 107.5 FM)

Gratuit, sur réservation obligatoire (places limitées à 15 personnes) 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr

Marie-Claire Vitoux est maître de conférences en histoire contemporaine. Elle a consacré ses travaux de recherche au monde ouvrier des XIXe et XXe siècles en tentant d’en saisir les mutations et les recompositions. Elle s’est tout particulièrement intéressée à la question de la constitution de la culture ouvrière et a donc rencontré la question du genre dans la question sociale: les fils des identités de classe, de genre, ou encore de nationalité tissent l’histoire du monde ouvrier.

A l’occasion des Journées Européennes du Patrimoine, le centre d’art contemporain et les Archives de Mulhouse proposent un parcours autour des recherches de l’artiste autrichienne Tanja Boukal que les deux structures ont accueillie dans le cadre de son projet de recherche et de création autour des archives de DMC.

Les trois étapes de la déambulation donnent l’occasion de découvrir les brins composant le fil de cette histoire.
Au programme : la visite du fonds archivistique de la société DMC ; l’architecture du bâtiment de La Fonderie ; les œuvres de Tanja Boukal présentées dans Le monument, le labeur et l’hippocampe.

A partir de 12 ans. Parcours d’environ 1h30, gratuit sur réservation (5 personnes maximum par groupe), au départ des Archives Municipales à 14h, 14h30, 15h, 15h30, 16h et 16h30.
Informations/réservations : kunsthalle@mulhouse.fr / 03 69 77 66 47

En partenariat avec les Archives de Mulhouse et l’Université de Haute-Alsace.

A l’occasion des Journées Européennes du Patrimoine, le centre d’art contemporain et les Archives de Mulhouse proposent une rencontre à propos des recherches de Tanja Boukal que les deux structures ont accueillie dans le cadre de son projet de recherche et de création autour des archives de DMC.

Tanja Boukal a été accueillie, pendant plusieurs mois par La Kunsthalle et Les Archives de Mulhouse pour un projet de recherche et de création. De ce travail est né un ensemble d’œuvres exposées à La Kunsthalle.
Tanja s’est intéressée au fonds documentaire de DMC et au travail de Thérèse de Dillmont (1846-1890), brodeuse, formée à l’Académie de broderie de Vienne, auteure de l’Encyclopédie des ouvrages de dames, fondatrice d’un atelier de broderie à Dornach, créatrice et éditrice de modèles pour DMC.
Sous la forme d’un dialogue Tanja Boukal et Eliane Michelon interrogeront la place et la valeur des souvenirs et documents retenus et réinvestis par l’artiste.
Ensemble, elles se demanderont si les œuvres participent à dessiner un futur raisonné ?

Dialogue entre Tanja Boukal, artiste et Eliane Michelon, directrice des Archives de Mulhouse.
Modération : Loïc Beck, archiviste.
La rencontre sera transmise en direct sur Radio MNE

Gratuit, sur réservation obligatoire (places limitées à 15 personnes) 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr

Eliane Michelon est conservateur en chef du patrimoine et directrice des Archives de Mulhouse. De par ses fonctions, elle s’implique particulièrement dans la collecte et à la mise en valeur des archives privées et notamment des archives d’entreprises. En charge des collections patrimoniales de DMC, elle s’intéresse notamment aux « arts de faire » dans les travaux d’aiguilles féminins, en lien avec les temporalités multiples de la vie des femmes.

Loïc Beck est né à Mulhouse. Diplômé d’un Master en art de la Haute école des arts du Rhin, il complète sa formation par un Master Histoire MECADOC dans la spécialité archivistique à l’Université de Haute-Alsace.
Il réalise plusieurs missions de classements de fonds d’archives associatives et d’archives d’artistes avant de participer puis de conduire des projets d’exposition. En 2018, il lance son activité d’archiviste indépendant dans l’optique de réaliser des classements d’archives suivis de la conception de projets de valorisation mettant en valeur et sensibilisant la sauvegarde du patrimoine de l’Alsace. Passionné d’histoire contemporaine, il cherche à développer des projets autour des archives privées.

Tanja Boukal propose des vidéos afin de partager avec les publics son processus d’exploration des archives de DMC lors de sa résidence de recherche 2018-2020.

La première vidéo, réalisée dans le cadre de l’exposition Le monument, le labeur et l’hippocampe,  se présente sous la forme d’un tutoriel autour de l’œuvre « Broder la machine », 2020.

Réalisé par Marie Bannwarth, avec la participation de Tanja Boukal, le film a été produit par La Kunsthalle Mulhouse.

Dans le second film, l’artiste présente  les lieux qui l’ont inspirée.
Sur les traces de DMC… avec Tanja boukal, 2020

Le document propose aux spectateurs une immersion dans les différents lieux qui ont nourri la création des œuvres de l’exposition Le monument, le labeur et l’hippocampe : la friche DMC et les Archives de Mulhouse. Cette déambulation, menée par l’artiste, nous fait visiter ces endroits qui la fascinent, et évoque son travail de recherche et de mémoire, au cœur de l’élaboration de ses œuvres.

Réalisé par Marie Bannwarth, avec la participation de Tanja Boukal et Eliane Michelon, directrice des Archives de Mulhouse, le film a été produit par La Kunsthalle Mulhouse.

Pour respecter les consignes sanitaires, le vernissage de l’exposition « Le monument, le labeur et l’hippocampe » prendra une forme inédite puisqu’il s’installera sur un temps long pendant lequel les artistes et l’équipe de La Kunsthalle recevront le public pour échanger autour des œuvres.

L’inauguration sera accompagnée d’une performance culinaire de Mélanie Boissié.

La résidence culinaire de neuf mois de Mélanie Boissié, designeure culinaire prend fin avec ce troisième opus.
Elle a panaché des temps d’ateliers de création, menés par l’artiste en collaboration le public d’ÉPICES, et des temps de restitution à La Kunsthalle lors des vernissages. Ce projet a bénéficié du soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles Grand Est.
Aujourd’hui intégrant les mesures sanitaires, Mélanie Boissié nous propose une expérience culinaire sous forme d’énigmes gustatives interrogeant notre compréhension de faits alimentaires passés et actuels en sollicitant notre mémoire individuelle et collective.

Mélanie Boissié est diplômée du Master Design et Culinaire de l’ESAD de Reims.

En partenariat avec l’association Épices, la résidence culinaire bénéficie du soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles Grand Est.

Youssef Tabti, Istanbul Trilogie 2015 2016 2017
Article écrit par Tuncay Kulaoglu*

Durant son séjour à l’Académie culturelle de Tarabya à Istanbul Youssef Tabti a développé trois projets influencés par la situation politique en cours de mutation. Ils sont ainsi l’expression d’une confrontation avec les événements en Turquie.

«C’est là que j’ai réalisé que soit j’étais fou, soit le monde l’était. Et je pariais sur le monde. Et, bien sûr, j’avais raison.»
Jean-Louis Lebris de Kérouac

La première partie de la trilogie était l’installation « Basaksehir : Exploration psychogéographique Istanbul #2 », que l’artiste a développée en collaboration avec des étudiants de la faculté d’urbanisme et d’aménagement du territoire de l’université Mimar Sinan. L’accent a été mis sur le quartier de Basaksehir à Istanbul avec sa « psychogéographie », un terme développé par l’International Situationisme, et qui explore la nature psychogéographique d’un espace urbain en utilisant des moyens tels que le cinéma, la photographie, les sons et la cartographie. Dans le cas de Basaksehir, un quartier en plein essor depuis l’arrivée au pouvoir de l’AKP en 2002, il s’agit d’une communauté invisible, fermée, habitée par une classe moyenne supérieure archi-conservatrice qui a bénéficié du boom économique des années 2000. L’enquête psycho-géographique de Tabti, liée à l’art, l’architecture, la géographie et la psychologie, prend Basaksehir comme symbole d’un développement national en Turquie, de plus en plus confronté à la division de la société. Les mécanismes profonds d’exclusion dans la société turque ont également eu un impact direct sur le projet de Youssef Tabti. Une interview d’une heure que la chaîne de télévision publique TRT a réalisée avec lui n’a pas été diffusée, les critiques de magazines d’art renommés ont été censurées et par la suite, les annonces de l’exposition sur différents sites web ont été supprimées.

 Basaksehir – Psychogeografic exploration Istanbul #2, 2015 © Youssef Tabti 2017

Tabti a réalisé le deuxième volet de sa trilogie à la Biennale de Sinop, une ville sur la côte de la mer Noire où, selon une enquête menée l’année dernière dans toute la Turquie, vivent les personnes les plus heureuses du pays. Tabti y a mis en scène le «jeu de guerre», un jeu de société dans lequel il ne s’agit pas de conquérir des territoires, mais de vaincre l’ennemi. Ici aussi, Tabti fait référence à l‘International Situationisme, à Guy Debord, qui a compris le jeu de société, apparu à la cour de Prusse à la fin du 18e siècle, non pas comme une «guerre» mais comme une «rupture de communication» et l’a développé plus avant. Initialement, Tabti d’une part voulait mettre le projet en scène dans la prison historique de Sinop, connue pour avoir accueilli de grands intellectuels turcs et aujourd‘hui transformée en musée d’histoire, d’autre part, il souhaitait choisir ses joueurs. Non seulement il n’y a pas été autorisé, mais le titre de son œuvre « War Game » a également été renommé « Game ». De plus, Tabti n’a pu activer le jeu qu’avec les joueurs qu’il avait préinscrits.

Kriegsspiel. 2016 © Youssef Tabti 2017

RHETORIQUE – La Colline du PNIX est la conclusion de la trilogie. L’installation vidéo, qui se concentre sur le thème de la liberté d’expression en démocratie, a dû être déplacée à Athènes suite au coup d’État en Turquie en 2016. Dans la dernière partie de sa trilogie sur Istanbul, Youssef Tabti a voulu aborder le thème de la liberté d’expression et de la démocratie, en échos à ses expériences récentes en Turquie. Cependant l’aggravation du climat politique dans le pays, notamment les arrestations massives d’intellectuels, y compris étrangers, ont obligé l’artiste à délocaliser son projet en Grèce voisine. Ce déplacement involontaire a mené le projet vers le berceau de la démocratie, plus précisément vers la colline du Pnix à Athènes, où les premières assemblées populaires se sont tenues 500 ans avant la naissance du Christ.
Le point de départ de Tabti a été de contextualiser historiquement la rhétorique, qui est à la fois art et science, en lien avec la liberté d’(in)expression et de montrer les références au présent. Ainsi Pnix a servi de décor, de berceau de la rhétorique, qui depuis lors a une longue tradition. Certains discours ont fait l’histoire, comme celui de défense de Socrate en 399 avant J.-C. jusqu‘au discours de Martin Luther King du 28 août 1963 à Washington D.C.

Rhetoric – Hill of the Pnix. 2017 © Youssef Tabti

Sur la colline historique, Pnix, Tabti a rencontré et conversé avec le théologien grec Christos Yannaras, controversé, pas seulement en Grèce, pour ses thèses progressistes. Yannaras plaide pour une réflexion sur la liberté d’expression et la démocratie telle qu’elles étaient pensées à l‘origine. Selon le théologien elles n’ont véritablement été pratiquées que pendant 50 ans et ceci, 500 ans avant la naissance du Christ. Tout ce qui a suivi n’est, pour le philosophe engagé, qu’une recherche constante de la démocratie originelle, que l’on n’a jamais su retrouver.
La conversation avec Christos Yannaras est filmée par Youssef Tabti et retransmise dans l‘installation vidéo RHETORIC – Hill of the PNIX présentée à l’occasion du 3^e Salon d’automne du théâtre Maxim Gorki à Berlin. L’aspect psychogéographique est également présent dans cette œuvre de l’artiste qui représente la colline de Pnix et le forum de pierre dans des esquisses réparties dans tout l’espace d’exposition. Par contre la tribune à laquelle jadis tout le monde avait accès, l’artiste l’a déconstruite et matérialisée par des tiges de métal réparties dans tout l’espace. Elle symbolise une rupture de la communication, non seulement en Turquie, où la liberté d’expression est remise en question, mais dans le monde entier.

* Tuncay Kulaoglu est un auteur, cinéaste, dramaturge, conservateur et traducteur à Berlin. Co-fondateur du Festival du Film Turquie/Allemagne à Nuremberg et de la Ballhaus Naunynstraße (Co directeur artistique 2013-2014). Conseiller dramatique et co-directeur artistique pour le 3ème Salon d’automne de Berlin au Maxim Gorki Theater Berlin.

Ces projets ont précédemment été présentés dans différents lieux :
Basaksehir – Psychogeografic exploration Istanbul #2. 2015
–Galerie REM Artspace, Istanbul, Turkey 2016
–Mimar Sinan Fine Arts University Istanbul. Turkey 2017

Kriegsspiel. 2016
–6. Sinopale (Biennale), Sinop. Turkey 2017
–Hamburger Bahnhof-Museum für Gegenwart-Berlin 2018
–8.Salon Hamburg. Germany 2019
–Kunsthaus Hamburg. Germany 2020

Rhetoric – Hill of the Pnix. 2017
–3. Berliner Herbstsalon. Gorki Theater Berlin. 2017
–Frise-Künstlerhaus Hamburg. 2017

Youssef Tabti est né en 1968 à Paris, il vit et travaille à Hambourg.
Artiste conceptuel né en France, vivant en Allemagne, d’origine algérienne par son père, il se nourrit de ses multiples racines et attaches pour développer un travail qui tient compte à la fois d’un contexte sociétal et d’une réalité politique. Ses médiums sont divers allant de l’installation sonore, spatiale, à la photographie ou la vidéo. Ses processus de recherche passent par des méthodes souvent systématiques telles que l’archivage ou la collection. Il rassemble des données qu’il restitue dans ses œuvres sous la forme d’une invitation au public à venir activer ou prolonger un travail entamé. Le langage, la parole, le déplacement, l’errance sont autant de thèmes que l’on retrouve dans ses projets.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Stine Marie Jacobsen, Direct Approach, 2012-
Série de vidéos courtes HD, durées variables

Capture d’écran

Victime, auteur ou témoin ? Il n’est pas facile de reconnaître la notion de violence, ni d’en tracer les contours. Il n’y a en fait aucune façon directe de l’aborder. La violence est souvent taboue ou fait partie de l’inconscient collectif. L’expérience ou le jugement des différentes formes et mécanismes de violence est, en d’autres termes, un sujet sensible à cerner. « Direct Approach » est un projet artistique participatif qui a pour résultat une série de films – il vise à cartographier la relation des civils à la violence travers les références de chacun, leurs identifications et la reconstitution de scènes choisies par eux-mêmes dans des films d’horreur violents. Présenté comme une fiction, le sujet est plus facile à aborder.
Les participants au projet ont été invités à décrire de mémoire la scène de film la plus violente qu’ils aient jamais vue puis à choisir ensuite l’un des personnages de la séquence : victime, auteur ou témoin. Après avoir mené une réflexion sur la violence au cinéma et à la manière dont elle reflète la société actuelle et leurs expériences personnelles, chaque participant rejoue – sans parole – le rôle qu’il a retenu, dans les scènes choisies.
Ces trois vidéos montrent Karl Schlarb, Gita Ratzinger et Udo Loeb, interviewés et filmés à Berlin, en 2012-13.

Stine Marie Jacobsen et Yulia Hontaruk, Direct Approach, Ukraine, 2019
Vidéo HD, 31’18

Capture d’écran

Aux premières lignes de la violence dans l’est ukrainien, « Direct Approach, Ukraine » est le dernier volet de la série de films de l’artiste.
Depuis 2012, le projet « Direct Approach » est basé sur des conversations autour de la violence dans le cinéma et dans la réalité.
En Ukraine, pays qui a accueilli deux révolutions depuis son indépendance de l’Union soviétique en 1991 et qui est actuellement le théâtre d’un conflit armé, le projet prend un nouveau sens. Chacune des trois personnes interrogées dans la vidéo raconte les détails de la séquence de film la plus violente qu’elle ait jamais vue. En se souvenant – et en se méprenant – de ces détails, elles inscrivent des aspects biographiques dans la scène. Être le héros n’est pas un choix ; pourtant, tous finissent par imaginer ce que ce rôle pourrait leur faire ressentir, exposant un désir inné de parvenir à le jouer au mieux. Alternant entre un cadre d’interview en studio et une reconstitution en direct, l’artiste fait de ces fantasmes une réalité. Si « Direct Approach » est un projet universel qui atteint la psyché intérieure à travers des cultures disparates, la proximité de l’Ukraine avec une zone de guerre ne peut pas passer inaperçue, car le choix du personnage (victime, auteur ou témoin) est amplifié par la vie quotidienne des participants.
Avec la participation d’Alexey Kelt, Irina Prudkova et Maria Pronina, « Direct Approach, Ukraine » est issu d’une collaboration entre l’artiste danoise Stine Marie Jacobsen, la cinéaste ukrainienne Yulia Hontaruk et l’Institut culturel danois.
Pour en savoir plus : www.direct-approach.org / stinemariejacobsen.com/direct-approach

Stine Marie Jacobsen, IMF, 2019
Vidéo HD, 8’19

Capture d’écran

Le cœur du film « IMF » (I Mørket er vi alle Forbrydere – Dans le Noir, nous sommes Tous des Prédateurs, en français) est une expérience linguistique, menée à l’origine par un psychologue du langage au Danemark qui a montré que 3 souvenirs sur 4 sont potentiellement biaisés.
Ainsi, les participants à l’expérience ont été invités à se remémorer et à raconter un article de presse qui évoquait l’agression d’un migrant par trois hommes (sans mentionner l’origine ethnique ou la nationalité). 3 personnes sur 4 ont affirmé que trois migrants avaient attaqué un Danois sans défense. L’objectif n’étant pas de pointer du doigt les personnes qui se souviennent mal de l’article, mais plutôt d’ouvrir la discussion sur les raisons pour lesquelles la majorité blâme inconsciemment les immigrants.
Le processus de réalisation du film a commencé par un atelier de cascade dans lequel un instructeur professionnel a appris aux participants à mimer les scènes assez brutales de l’article et les différentes façons de les relater. La simulation de la violence dans le jeu oblige les acteurs à prendre particulièrement soin les uns des autres pour ne pas les blesser. Ainsi, la performance transforme une scène d’agression en une chorégraphie où les personnes font preuve de beaucoup d’attention. C’est là un aspect emblématique du travail de l’artiste : traiter un sujet lourd comme la violence, dans un souci pacifiste et de manière non violente.
Le film est réalisé dans un style imitant le film danois des années 1980 de l’OBS (Oplysning til Borgerne om Samfundet / message d’intérêt public) reprenant également les scènes de reconstitution des documentaires télévisés. Ici, les scènes de violence sont moins réalistes et voire un peu maladroites.
Pour en savoir plus : https://www.4cs-conflict-conviviality.eu/post/mediation-lab-roskilde

Stine Marie Jacobsen, née en 1977 au Danemark, est diplômée de la Royal Danish Academy of Fine Arts et du California Institute of the Arts de Los Angeles. Elle vit et travaille à Copenhague et à Berlin.
Afin de donner aux participants un espace de collaboration et en tant qu’artiste conceptuelle, elle crée des projets artistiques socioculturels et participatifs avec des thèmes clairement définis.
Pour explorer des sujets tels que le cinéma, le langage, le genre, la violence, la mort, les tabous, l’anonymat et la psychologie, Jacobsen mène des expériences performatives et crée des plateformes participatives pour stimuler la pensée critique et générer de nouvelles perspectives sur l’éthique, l’identité, le contrôle, la peur et la confiance.
Au fil des ans, elle a conceptualisé de nombreux projets participatifs et éducatifs tels que « Direct Approach », où les participants sont invités à se souvenir et à raconter de nouveau une scène de film violente, à choisir s’ils joueront la victime, le criminel ou le spectateur ; ou dans « Mann beißt Hund » (un remake du film belge « C’est arrivé près de chez vous »), sans acteurs à l’écran, l’artiste vise à déchiffrer le film en tant que système juridique. Avec « Law Shifters », elle organise, avec des avocats, des ateliers de rédaction de lois pour des personnes du monde entier afin de les aider à rédiger leurs propres lois, à les traduire dans le langage législatif officiel et enfin à les présenter au public.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Jan Kopp, Rien d’extraordinaire, des idées trouvées sur la route, 2020
2 vidéos, couleur, son et 1 dessin

« J’ai fait cette marche de deux jours en espérant provoquer une situation dans laquelle quelque chose se révèlerait : un événement, une expérience, une rencontre, un objet, une forme.
Marcher : le flux des pensées, l’isolement dans des paysages anonymes et passagers, l’observation, des états d’exaltation. Soumise à la réalité des routes et des sentiers, la marche est physiquement et spatialement conditionnée. Elle est une succession de possibilités et d’obstacles. Marcher c’est négocier continuellement avec ce paradoxe, qui m’absorbe entièrement.
Cette marche est le prolongement d’une proposition que j’ai faite à un groupe d’étudiants des universités de Lyon pendant le confinement, avec lequel j’avais entrepris des balades urbaines entre octobre 2019 et février 2020. Je leur ai demandé de filmer trente pas de leurs déplacements quotidiens sur le kilomètre autorisé. Il s’agissait de filmer en marchant, d’abord les pieds, puis de monter la caméra (en l’occurrence de téléphones portables) et revenir sur le même cadrage des pieds en plan séquence. La vidéo de ce travail de groupe à distance présente un assemblage de lieux et de paysages plein de contrastes. »

Jan Kopp, Rien d’extraordinaire 1, 2020
Vidéo, couleur, son, 8’23

Capture d’écran

Jan Kopp, Rien d’extraordinaire 2 (Mücken über meinen Kopf), 2020
Vidéo, couleur, son, 41 »

Capture d’écran

« Le premier périmètre du déconfinement, 100 km, correspond à la distance qui sépare l’appartement où je vis à Lyon de la maison-atelier en Bourgogne du Sud où j’étais confiné avec ma famille. C’est ce que j’ai choisi comme trajet pour cette marche de deux jours.

A l’aide de cartes IGN et du GPS de mon smartphone, j’ai navigué en évitant les trop grandes routes et en cherchant malgré tout le parcours le plus proche du « vol d’oiseau ». Ainsi mes yeux passaient constamment du paysage autour de moi à sa représentation cartographique et vice versa. Trois ou quatre fois j’ai mal interprété ce que je lisais et ai du rebrousser chemin. Il est arrivé aussi qu’un sentier inscrit sur les cartes soit en réalité englouti par une végétation probablement de plusieurs années, et me force à ressortir d’un champ de blé que j’avais espéré comme voie alternative, mais qui ne menait nulle part. Ce type d’événement dans ce contexte peut se vivre comme une catastrophe.
Marcher est un rythme, d’abord donné par le pas puis par une ou deux branches transformées en bâtons, et la respiration.
Sur ce rythme se sont malheureusement accrochés des airs de musique pop glanés dans une superette où j’avais acheté mon pique-nique (tel Black is Back, Los Bravos, 1965). Pour changer ce répertoire, je n’ai rien trouvé d’autre dans ma radio cérébrale qu’une chanson mélancolique de Sting entendue deux jours plus tôt dans un petit restaurant indonésien à Nantes. Une bizarrerie musicale mentale s’imposait également : une version a cappella d’une chorale d’homme de (Hey) You’ve got to hide your love away des Beatles, entendue sur les ondes de SWR2 en voiture deux semaines plus tôt non loin de Stuttgart. »

Jan Kopp, Le Cow-boy de Lamure-sur-Azergues, 2020
Dessin

« Je suis assis en train de boire un grand café au lait sur une terrasse. Il est 8h. Déjà 3h que j’ai quitté le col de Saint Cyr du Chatoux où j’ai passé la nuit. Je suis à Lamure sur Azergues. Nous sommes samedi jour de marché. La masculinité de la clientèle s’affiche. Sur le parking d’en face un homme sort d’une fourgonnette blanche. Son contraste avec le reste du public qui m’entoure retient mon attention. Il porte un chapeau de cow boy noir, un gilet en cuir sans manche de la même couleur, un pantalon bleu vif, et des boots, talons biseautés, avant pointu. De longs cheveux gris dépassent sur ses épaules. Une visière anticoronavirus protège son visage. Des croissants de lune dorés ornent ses oreilles, le même motif lui sert de pendentif. Il se dirige vers une coopérative bio, en ressort avec un litre de lait, et repart. Je le reverrai une heure plus tard sur ma route en train de laver sa voiture. J’hésite à lui parler. »

Jan Kopp est né en 1970, il vit et travaille à Lyon.
Dessin, vidéo, sculpture, performance, l’ensemble de ces médiums sont présents dans sa pratique, pourvu qu’ils lui laissent la possibilité de prolonger une rencontre. L’ »être ensemble » est un thème qu’il explore sous différentes formes aussi bien participatives que contemplatives. Il s’intéresse à la ville qui est un vivier formidable d’architecture mais aussi de chaos, d’organisations sociales et de personnes. Elle lui offre des espaces à arpenter et des détails à observer.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Guillaume Barborini, Dessin pour une texture souterraine, 2020 – en cours
Vidéo, couleur, son (3 extraits de 11′)

Dessin pour une texture souterraine a débuté à l’automne 2019 avec la rencontre d’un monument aux morts en Corée. Ce monument, par son histoire, en appelait avec insistance un autre, à Alger, qui à son tour pointait vers d’autres constructions encore, ailleurs. D’appels en échos, je déroule depuis lors ce fil fait d’affinités subjectives et précaires. A travers l’évocation de constructions diverses, affleurent et s’envisagent progressivement des formes d’échappées, d’autres manières d’être et d’habiter. Une architecture nouvelle s’esquisse alors, appuyée sur toutes les autres, plus fragile, qui accepterait de s’ériger sans laisser de traces.
Dessin pour une texture souterraine est une digression qui recherche encore son nord. Elle s’active et se maintient par la voix, avec urgence ou lenteur, elle ne se partage que par bribes, sous des formes variées.

Guillaume Barborini, Dessin pour une texture souterraine, 2020 – en cours
Extrait 1 : De la tour Chunghon à Temi_Shelter
Vidéo, couleur, son, 11’

Capture d’écran

L’extrait « De la tour Chunghon à Temi_Shelter » constitue le point de départ de Dessin pour une texture souterraine . Celui-ci commence sur le toit d’une résidence coréenne, pour ne pas le quitter ou mieux y revenir, différemment.

Guillaume Barborini, Dessin pour une texture souterraine, 2020 – en cours
Extrait 2 : De Ice Watch aux bomb ponds d’Apaj
Vidéo, couleur, son, 11’

Capture d’écran

L’extrait  « De Ice Watch aux bomb ponds d’Apaj« , constitue un fragment de Dessin pour une texture souterraine qui se déplie et gravite autour de glissements, de devenirs et de dommages collatéraux.

Guillaume Barborini, Dessin pour une texture souterraine, 2020 – en cours
Extrait 3 : De The World aux Aborigènes
Vidéo, couleur, son, 11’

Capture d’écran

L’extrait « De The World aux Aborigènes » constitue un fragment de Dessin pour une texture souterraine qui s’emporte et s’attache à divers mouvements de disparition.

Guillaume Barborini est né en 1986 à Chambéry, diplômé de l’École Supérieure d’Art de Lorraine, il réside principalement à Metz où il poursuit ses recherches artistiques.
Sa pratique déplie des gestes fragiles, à l’échelle du corps, qui se veulent attentifs aux choses, aux matières et aux terrains de vie. Elle entend prendre soin de ce qui résiste à l’aménagement corrosif du monde et consiste en la considération et l’expérience de ce dernier plutôt qu’en sa consommation. Guillaume Barborini intervient et expose régulièrement en France, notamment au Frac Lorraine (Metz), au Magasin des Horizons (Grenoble), au Granit (Belfort), à L’attrape-couleurs (Lyon), à Ergastule (Nancy) ainsi qu’au Luxembourg : les Rotondes (Luxembourg ville), Nei Liicht (Dudelange). Il développe également depuis peu une partie de son travail en Asie, à Daejeon (Corée du Sud) et à Tokyo (Japon).

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Cet été, dans le cadre de l’opération « Musées en plein air », à l’initiative de la Ville de Mulhouse, La Kunsthalle invite Laurence Mellinger à présenter une série de dessins au parc Jaquet, situé à deux pas du centre d’art.

En ligne, les dessins issus d’un carnet de voyage réalisé en 1996 (techniques mixtes sur papier demi-teinte, doubles pages 30 x 20 cm) sont augmentés de sons et textes lus issus des carnets qui replacent le contexte et donnent une dimension plus intime à cette trace :

Laurence Mellinger, Voyage en Italie, Roma gare !, 1996
Crayon, encre de chine et gouache

Laurence Mellinger, Voyage en Italie, amphithéâtre, 1996
Encre de chine

Laurence Mellinger, Voyage en Italie, fontaine de Trevi, 1996
Mine de plomb, crayon blanc, aquarelle

Laurence Mellinger, Voyage en Italie, îles éoliennes, 1996
Aquarelle, gouache, crayons gras

Laurence Mellinger, Voyage en Italie, Stromboli ,1996
Stylo bille, aquarelle et gouache

Artiste plasticienne engagée dans le milieu de l’art contemporain, Laurence Mellinger est affiliée à la maison des artistes depuis 1999.
Designer titulaire d’un diplôme supérieur d’arts appliqués obtenu à l’ENSAAMA (Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Arts) à Paris (option design industriel et master en espace architectural) et également diplômée de l’Ensba (Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Paris, option multimédia).
A travers une réflexion portée sur les interactions entre l’homme et son environnement, son travail  traverse les disciplines en fonction du contexte. Entre dessin, installation multimédia, création sonore, picturale, conférence déambulatoire ou design, ses recherches transdisciplinaires l’ont menée à collaborer avec nombreux artistes, associations et institutions et à développer de nombreux projets collectifs. Sa forme de prédilection est l’installation et elle privilégie l’économie de moyen. Elle s’intéresse aux problématiques générées par la société émergente (rapport aux objets, à la nourriture, relation avec la nature, la construction du  paysage…) et oriente ses partis pris artistiques à partir de l’analyse des contextes et des espaces dans lesquels sont produites les  œuvres.
Avec ses reportages dessinés et ses « fictions architecturales », elle contribue depuis 2010 au journal L’Alsace avec le collectif « Les Mains Nues ».
Elle s’intéresse aux processus de création collective notamment dans l’espace public et cette démarche a reçu un bel écho à Mulhouse, où elle a pu expérimenter différentes formes, du  chantier participatif inscrit dans la durée, aux performances collectives pendant des festivals.. mais aussi en milieu scolaire, carcéral ou psychiatrique.
Régulièrement invitée par La Kunsthalle, le centre d’art contemporain de Mulhouse, elle mène un travail plastique expérimental en écho aux expositions et avec les différents publics.
Adepte des voyages au long cours, elle a rapporté de nombreux carnets de voyage d’Europe, d’Afrique et d’Asie… appréciés d’un large public.
Ses œuvres ont été montrées en France, à Paris, Metz, ainsi qu’ à l’étranger en Australie, à Freiburg et Cassel en Allemagne lors d’expositions collectives. Son travail a fait l’objet de commandes lors de résidences à Grigny et Montpellier.
Lauréate de la Filature à «Mulhouse 003», exposition des jeunes diplômés des écoles d’art de France, elle vit et travaille à Mulhouse depuis 2004.

Avec Musées en plein air, les musées sortent de leurs murs et exposent une sélection d’œuvres sur les grilles des parcs mulhousiens.
A l’initiative de la Ville de Mulhouse, le projet est réalisé en partenariat avec Musées Mulhouse Sud Alsace.

Katrin Ströbel, Becoming sculpture. Undoing sculpture. (Les confiné·e·s), 2020
Diaporama de collages en trois parties

Devenir sculpture. Défaire la sculpture.
« Pendant les deux mois de la période de confinement en France, nous étions censés devenir des sculptures. Nos corps n’ont plus bougé, nos mains ne se sont plus touchées, nos peaux ne se sont plus rencontrées. Les épines se sont raidies, les cœurs se sont alourdis. La plupart d’entre nous étaient peu doués pour être des sculptures. Les oiseaux se sont moqués. Les rats ont ri aussi. Du moins ici à Marseille.
Pourtant, à y regarder de plus près, on découvrait de minuscules fissures sur les peaux croûtées, des lignes de magma d’amour, de rage, de solitude, de colère, d’empathie, de souffrance, de frustration, de solidarité, de peur, de résistance. La nuit, on voyait les petites rivières de lave couler par les fenêtres sombres de nos voisins. L’effusion d’une femme qui pleure dans la rue. On les sentait flotter à travers les corps postés devant les supermarchés. Presque invisibles. Un doigt de la main droite tremblant. Une paupière tremblante. Un esprit agité.
Les confiné·e·s (devenir sculpture. défaire sculpture.) sont une quarantaine de collages réalisés à partir de restes et de déchets de papier pendant 8 semaines, de mars à mai 2020. »

Katrin Ströbel, Becoming sculpture. Undoing sculpture. (Les confiné·e·s) Part.1, 2020
Diaporama de collages, 5’17

(Extrait)

Katrin Ströbel, Becoming sculpture. Undoing sculpture. (Les confiné·e·s) Part.2, 2020
Diaporama de collages, 5’43

(Extrait)

Katrin Ströbel, Becoming sculpture. Undoing sculpture. (Les confiné·e·s) Part.3, 2020
Diaporama de collages, 4’52

(Extrait)

Katrin Ströbel est née en 1975, elle vit et travaille à Marseille, Stuttgart et Rabat.
Ses dessins, œuvres in situ et installations sont basés sur un questionnement critique des conditions sociales et géopolitiques qui définissent notre quotidien. Le travail de Katrin Ströbel porte sur les codes culturels et les langages (visuels), mais aussi sur des sujets tels que le colonialisme, la migration et le déplacement forcé et montre à quel point les politiques du genre et de l’espace sont liées. Avec une perspective critique et ironique, l’artiste déconstruit les relations de genre et les stéréotypes féminins dans ses dessins et collages.
Depuis 2004, elle a travaillé régulièrement au Maroc, au Nigeria, au Sénégal, en Afrique du Sud,
au Pérou, en Australie et aux États-Unis. Katrin Ströbel a fait des études d’arts plastiques et de
littérature. Elle est docteure en histoire de l’art. Elle est mère. Depuis 2013, elle est professeure à la Villa Arson, École nationale supérieure d’art de Nice.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Elise Alloin, carte postale, 2020
Carte postale numérique

Elise Alloin initie avec le Petit Programme un projet participatif sur le territoire dans le cadre d’une résidence de recherche artistique à La Kunsthalle/CRESAT autour de la fermeture de la centrale nucléaire de Fessenheim.
Le projet se poursuit jusqu’en 2022 et votre contribution viendra nourrir la recherche artistique de l’artiste, dessiner les reliefs d’une carte de géographie émotionnelle collective et éclairer ce territoire de transitions.
Les deux réacteurs nucléaires de la centrale électrique de Fessenheim sont aujourd’hui définitivement arrêtés.
Installé depuis un demi-siècle au bord du Rhin, cet équipement industriel a modelé et transformé votre expérience et votre relation au territoire.
Vous êtes invité à exprimer un souvenir, une émotion, une anecdote, une question, un vœu qui décrive votre lien personnel à cette histoire-là. En mots, en dessin, dans la langue de votre choix.
Il vous suffit de télécharger la carte postale sur votre appareil, remplir le champ de correspondance et la renvoyer automatiquement à l’artiste par la touche envoi prévu à cet effet.
Vous pouvez également la renvoyer ou contacter directement l’artiste à l’adresse suivante : rech.artistique.fessenheim@gmail.com

Elise Alloin, Diverger, 2020
Bande sonore, 31’33

Capture d’écran

Un réacteur nucléaire est un creuset élémentaire du monde.
À partir de l’uranium et de la fission de son noyau qui produit beaucoup d’énergie, une quantité extraordinaire d’éléments chimiques sont créés.
Agités, excités, instables, ils tendent alors – avec leur temporalité propre – vers des états plus calmes, en changeant de nature et en exprimant leur radioactivité.
Lorsqu’on arrête le réacteur, ces noyaux restent en quête de stabilité.

Elise Alloin est née en 1971, diplômée de la Haute école des arts du Rhin, elle vit et travaille à Strasbourg.
Elle développe son œuvre plastique dans une dynamique de recherche par l’art, notamment en explorant les liens que nous entretenons avec la radioactivité.
Comment cet « invisible » modèle-t-il notre conscience des lieux, notre relation au temps, à la mémoire sociale et à la transformation du vivant ?
Sa pratique, polymorphe et transdisciplinaire, se construit en collaboration avec des équipes de recherche : en physique nucléaire (CNRS-Institut pluridisciplinaire Hubert Curien, Strasbourg), en sciences humaines (Anthropologie Contemporaine, Université de Stockholm, Suède) et en sciences du vivant (Institut Océanographique et Laboratoire de Biotechnologie Marine, Université de Gdansk, Pologne).
Récemment accueillie en qualité de chercheur associée au CRESAT (Université de Haute Alsace), elle participe au programme de recherche Post-atomic Lab porté par le Centre sur la transition énergétique des territoires du Nucléaire. Elle y explore les questions qui traversent son travail sur la construction de nos paysages physiques et psychiques, nos circulations et nos modes d’habiter, en lien avec le démantèlement annoncé de la centrale nucléaire de Fessenheim.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Marianne Marić, Terre, 2009-2020
Vidéo, couleur, son, 52″

Capture d’écran

Le visage est ici un paysage qui s’anime au gré d’une physionomie et d’un souffle extérieur. A la manière d’une terre balayée, il livre des instants fugaces et insaisissables en proie au vent qui chahute. Le noir des pupilles, au plus profond du regard, semble refléter une éclipse du soleil. Le monde sous les traits et la douceur du visage apparaît d’une grande beauté menacée par un tir, un seul, capable de tout anéantir.

Marianne Marić, Pierre, 2017
Photographie, couleur

D’un alliage fragile le sculpteur a tiré sa statue, un homme qui sue et qui symbolise le travailleur. Nu, il n’a pour habits que le dessin qui s’est inscrit sur la surface du matériau : un réseau de lignes semblables à des veines. Le temps et l’usure l’ont vêtu de la vie. Dans ses images, Marianne Marić sublime l’homme et offre une peau à la sculpture. Elle en fait un paysage infini à explorer.

Marianne Marić, Chair, 2016-2020
Vidéo, couleur, son, 52″

Capture d’écran

De la farine et de l’eau naît la pâte. De la pâte et de la peau Marianne Marić joue la ressemblance. Les mains et les pieds s’emparent avec sensualité de la préparation, la malaxent et lui donnent vie comme un sculpteur extrait de la terre une forme façonnée. Il y a lutte, violence et résistance jusqu’au coup final qui scelle la fin d’un combat. La pâte s’apprête à devenir pain.

Marianne Marić est née en 1982, diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure d’Art et Design de Nancy, elle vit et travaille à Paris et Mulhouse.
À l’âge de dix ans, Marianne Marić s’enfuit en pleine nuit par la fenêtre de sa chambre après avoir vu « L’Enfant sauvage » de François Truffaut à la télévision. Le lendemain, elle est découverte par un garde forestier qui la raccompagne chez ses parents. Après cet épisode marquant, Marianne se jure de tout faire pour devenir artiste, afin de réaliser ses fantasmes sans que personne ne puisse la ramener à la raison. Ainsi, depuis 2007, elle développe un travail transdisciplinaire, dans lequel elle déconstruit les frontières entre les médiums en utilisant le corps comme une arme sculpturale. Dans ses créations, l’art, la mode, le design, la photographie, la musique et la vidéo fusionnent à travers l’utilisation des corps de femmes comme « une extraordinaire et fascinante architecture ». Elle déconstruit des stéréotypes pour mieux les réemployer, s’amuse à jouer avec les symboles pour mieux les détourner. En 2018, elle a eu une exposition personnelle en Suède (par Christian Caujolle), puis elle a représenté la France à la Biennale d’Athènes (Poka-Yio) et enfin elle fut invitée d’honneur en novembre 2019 au plus grand festival de Photographie d’Amérique Latine : le FIFV au Chili.

Joël Riff à propos de son travail :
De la faille minérale d’un monument aux Morts, à la fente précieuse d’un sexe féminin, Marianne Maric positionne son objectif dans une même familiarité, qui fait de toutes ses images des témoignages. Désirer une photographie de Marianne Maric, c’est la posséder en petit, et la projeter en grand. Sensuels inédits.
Marianne Maric impose une con ance manifeste. Face à elle, les sujets ne s’offrent comme à personne d’autres. Cette alchimie unique, c’est chaque cliché qui la contient.

Pierre Bal-Blanc :
Signalons aussi ce contraste tangible tout au long de sa production, entre l’urgence d’un contexte, et la tendresse que l’artiste y cristallise. Dans une forêt vierge, dans les ruines d’un parc ou les quais sales du métro parisiens, des corps se donnent passionnément.
Une architecture vernaculaire et corporelle

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Lena Eriksson, LODYPOP.COM
Diaporama de dessins.

(capture d’écran)

(Performance sans pression et projet sans panique)
À l’envers, en allemand, le mot vie (Leben) devient brouillard (Nebel). Lena Eriksson se positionne entre ces deux états et par le dessin propose une narration personnelle du monde dans lequel elle vit et tel qu’elle aimerait qu’il soit. Les dessins l’accompagnent partout et toujours, ils racontent sa vie et sa quête de sens, de convivialité, d’altruisme, d’émerveillement.

Lena Eriksson, Tierfilm (Film animalier), 2002
Vidéo, couleur, son, 19’15. Caméra : Andrea Saemann

(capture d’écran)

Le film est tourné dans une forêt près de Bâle, on aperçoit l’agglomération en arrière-plan. Le personnage est fait d’édredons, d’oreillers de duvets cousus entre eux. Animal, seul, un peu monstrueux, il occupe ce territoire, erre, s’attarde paresseusement au milieu des arbres sous l’objectif d’une caméra. Il semble confiant, insouciant et presque seul au monde. Il vit. La condition animale renvoi à l’évidence et la simplicité tandis que l’homme s’en fait l’observateur.

Lena Eriksson, Au-dessus de tous sommets, 2004
Vidéo, couleur, son. Caméra : Jan Eriksson, musique : Philippe Schwarz

(capture d’écran)

À la recherche de l’image du bonheur, Lena Eriksson tombe sur une photo de Björk à Cannes. L’actrice, au sommet de sa gloire, toute vêtue de rose, obtient la Palme d’or. Et si la robe rose était la clé du bonheur ? A son tour, Lena Eriksson tente sa chance et se construit sa propre robe en papier rose…

Lena Eriksson est née en 1971 à Viège en Suisse, elle vit et travaille à Bâle.
En fine observatrice du monde qui l’entoure, au contact de ses rencontres et au fil de ses voyages, elle développe des projets de recherche au service de nouvelles formes de médiation de l’art. Son travail s’exprime principalement dans le dessin, la vidéo et la performance. Entre 2004 et 20009, elle a dirigé le Kunstraum Lodypop à Bâle et depuis 2014 elle enseigne en Master Art à l’école de Design et d’Art de Lucerne.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

A l’occasion du vernissage de Petit Programme, La Kunsthalle et l’association Épices proposaient une performance culinaire de Mélanie Boissié.

Plus que jamais la cuisine est un lien de partage et de solidarité, et la nourriture un moyen de découverte et de voyage tout en étant une pratique intime et réconfortante, d’autant plus essentielle lors de cette période si particulière.
Ce vernissage à emporter est l’occasion de mettre à l’honneur les valeurs et les personnalités de l’association Épices.
Dans ce format inédit un dialogue singulier s’établit avec le participant à travers des mets de saison et des mots écrits et choisis par les membres de l’association.
L’installation à déconstruire invite à se questionner sur des notions qui nous ont collectivement accompagnés ces derniers mois : espace privé et public, isolement et solidarité, individualité et unité.

Mélanie Boissié.

Cette performance a eu lieu dans le cadre de la résidence culinaire annuelle initiée par Épices et La Kunsthalle.
Le projet panache des temps d’ateliers de création, menés par l’artiste en collaboration ÉPICES, et des temps de restitution à La Kunsthalle lors des vernissages.

Mélanie Boissié est diplômée du Master Design et Culinaire de l’ESAD de Reims.

En partenariat avec l’association Épices, la résidence culinaire bénéficie du soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles Grand Est.

Chourouk Hriech, Bird’s Fountain, 2017
Vidéo HD, couleur, son, 4’16 – Courtesy de l’artiste et de la Galerie Anne-Sarah Bénichou

(capture d’écran)

Une femme porte une cruche d’eau qui se remplit… on ne sait pas d’où vient l’eau qui déborde peu à peu sur la toge blanche immaculée de la jeune femme. Cette dernière tourne sur elle-même et nous fixe, le regard de plus en plus intense, l’eau de plus en plus noire.
Cette vidéo fait références à « tant va la cruche à l’eau qu’à la fin elle se casse » (proverbe populaire), « La pluie » de Marcel Broodthaers (1969), le corps des femmes en lien avec les différents vases que chacune porte dans « Rebecca et Eliezer » de Nicolas Poussin 1643, enfin un lien avec le tour du potier suggéré ici par le modèle qui tourne sur lui-même, et dont l’eau et l’encre façonnent ses expressions au fur et mesure qu’elles se déversent sur lui.

Chourouk Hriech, Effeuillages – Robe 2, 2018
Vidéo HD, couleur, son, 14’15 – Courtesy de l’artiste et de la Galerie Anne-Sarah Bénichou

(capture d’écran)

« Nous retrouvons l’eau dans l’œuvre vidéo intitulée Effeuillage (2018) où l’artiste, debout dans une piscine, dessine des fleurs sur un carnet posé au-dessus de sa tête. Elle dessine à l’aveugle un motif commun, presque enfantin. Lorsque le dessin est terminé, elle arrache la page et la jette à l’eau. Dans une énergie absurde et poétique qui rappelle l’œuvre de Marcel Broodthaers (La Pluie, 1969), elle essaye, rate et recommence, sans jamais renoncer. Le dessin participe ici à la fois d’une impuissance et d’une résistance. » Julie Crenn

Chourouk Hriech, Le réel étant…, 2020
Vidéo HD, couleur, son , 8’38 – Courtesy de l’artiste et de la Galerie Anne-Sarah Bénichou

(capture d’écran)

Chourouk Hriech est rejointe par Hélène Kheletter, France/Paris, BryceAndCamille France/un duo Niçois, Timothée Monier France/Marseille, Béatrice Leitonaite France/Lituanie, Elias Kurdy France/Syrie, Vincent Pajot. Le temps d’un projet, ils se partagent un espace et proposent à la suite des uns et des autres un « haiku peint ou dessiné ».

Chourouk Hriech est née en 1977, diplômée de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon, elle vit et travaille à Marseille.
L’artiste pratique le dessin, comme une promenade dans l’espace et le temps. Ses œuvres, sur le papier, sur les murs, sur les objets qui nous entourent, appellent à la contemplation d’architectures anciennes et récentes, réelles et imaginaires, de personnages, d’animaux et de végétaux. Ses dessins articulent et entrechoquent des motifs urbains, du quotidien, en suivant sereinement la course folle du monde, comme un désir de résistance et d’utopie. Chourouk Hriech pratique avec la même énergie la vidéo ou la photographie, ainsi que la performance, souvent entourée d’oiseaux, de musiciens et de danseurs.
Son œuvre est présente dans de nombreuses collections publiques et privées.

Les autres artistes de « Le réel étant… » :

Elias Kurdy est né en 1990 à Damas (Syrie).
Je commence mes études d’architecture à l’Université arabe internationale de Damas en 2008, je suis venu à Marseille en 2012 après les événements qui ont suivi la révolution dans mon pays et intégré l’école d’architecture de Marseille -ENSAM jusque dans 2015, je suis entré à l’école d’art ESADMM pour obtenir un DNA 2017 et un DNSEP 2019. Aujourd’hui, je fais de la sculpture en carton, en papier, en terre, en granules de plastique, en jello. Je teste les limites de ces matières fragiles et leur résistance, mais surtout, je m’intéresse aux limites de mon corps et comment nos corps façonnent notre perception de l’échelle et des matériaux, de l’architecture qui nous entoure. Bien que mes gestes de dessinateur, de sculpteur ou d’interprète me semblent souvent futiles face aux crises politiques et aux bouleversements, j’ai un besoin compulsif de créer des formes, de dessiner des figures. La compulsion me sert à combattre le doute le temps d’un geste, d’une forme ou d’une performance. Mes personnages ont tendance à avoir du mal à rester debout, avec le risque de disparaître aussi facilement qu’ils ont émergé. www

Vincent Pajot est né en 1991 à Massy (91), il vit et travaille à Marseille.
Après des études d’architectures à l’ENSA Paris-Malaquais, il poursuit son cursus aux Beaux-arts de Marseille, et obtient son DNA en 2014. Il réalise pendant trois ans des reportages et clips musicaux pour un label de musique, puis retourne aux Beaux-arts dans le but d’élargir sa pratique, et obtient son DNSEP en 2019. Les notions d’échelles d’espace et de temps guident souvent ses créations, produisant des objets pouvant faire penser aux décors de film ou à la maquette. Il cultive par ailleurs une mythologie de la science, en opérant des détournements, des inventions, des assemblages d’objets techniques. www

Thimotée Monier est né en 1990 à Marseille où il vit et travaille.
Après avoir travaillé dans le bâtiment jusqu’à mes 25 ans, j’ai décidé d’intégrer l’Esadmm. En 2020 j’ai obtenu mon DNSEP. Mon travail s’articule entre peinture, dessin, collage et sculpture. Les médiums et les matériaux se reflètent sans pour autant révéler les mêmes choses. Je suis toujours en recherche de différentes dimensions envisageables créées par tous ces outils, ainsi, la construction, l’équilibre et la rencontre matérielle est l’essence de mon travail.

Beatrice Leitonaite est née en 1995 à Kaunas (Lituanie), elle vit et travaille à Marseille.
J’ai terminé les Beaux-arts de Kaunas en 2014 et la même année je suis arrivée en France pour continuer mes études d’art dans l’Ecole Supérieure d’Art et de Design Marseille-Méditerranée. Diplômée du DNA en 2017 et du DNSEP en 2019, mes réalisations sont comme une sorte de journal personnel, habité et nourri par mes pensées, mes réactions, mes souvenirs, mes batailles, mes attentes. C’est une pratique quotidienne qui vient d’une observation de la société, le monde qui m’entoure et de ma place dedans. Proche des dessins d’enfants, non sans faire penser aux dessins d’animation, ou aux griffonnages, l’ensemble de mes dessins dissimulent en réalité des expériences ou des craintes intimes comme des détails qui “grattent”, une espèce de fausse légèreté. Ces images sont faites pour que le spectateur se les approprie et les relie avec son propre vécu. 

Hélène Kelhetter est née en 1994 à Clamar (92), elle vit et travaille à Paris.
Elle est diplômée de l’Esad de Reims depuis juin 2018.
Le dessin, la vidéo et la céramique lui permettent de défendre des valeurs « décoloniales » dans l’art depuis la rédaction de son mémoire « Plonger au fond de l’inconnu pour trouver du nouveau ».

Bryce Delplanque et Camille Chastang sont né.e.s respectivement en 1993 et 1994, ils vivent et travaillent à Nice.
En 2015, ils se rencontrent à la Villa Arson autour du projet éditorial Pierre-Joseph, (mené par la graphique designer Susanna Shannon) dont ils deviennent les directeurs artistiques. La pratique du graphique design sera le point de départ de leur duo d’artistes tout comme leur goût pour la peinture, les reproductions d’images, le dessin, les fleurs, le papier peint, la sérigraphie et les big dots. Un duo  animé par l’envie de renverser la hiérarchie des genres picturaux, en redonnant au statut décoratif une valeur artistique.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Anna Byskov, La dérive de l’imbécile, 2020
Vidéo en trois parties, 39’40 au total

La situation récente a propulsé Anna Byskov en arrière… A resurgit un sentiment d’impossibilité de faire, de difficulté à s’exprimer. Aux séquences enregistrées il y a 15 ans, elle rajoute de nouvelles actions et réalise un film en 3 parties. La dérive de l’Imbécile est une tentative d’organiser des bribes d’expressions librement tournées. S’y retrouvent l’idée de l’autre, du collectif, du dialogue (parfois de sourd), du désordre, du doute et du dérisoire.

Partie 1 – Il y a 15 ans / 15 years ago (Dialogues, Les têtes/Faces, Les gestes/Gestures)
Vidéo bilingue français-anglais, 19’40. Extraits de vidéos réalisées il y a 15 ans remontés, réagencés, recoupés et réactualisés en mai 2020

(capture d’écran)

Partie 2 – Aujourd’hui à la maison / Today at home
Vidéo bilingue français-anglais, 10’, réalisée pendant la période de confinement, 2020

(capture d’écran)

Partie 3 – SORTIR / OUTSIDE
Vidéo bilingue français-anglais, 10’, réalisée pendant la période de confinement, 2020

(capture d’écran)

« La situation actuelle m’a propulsée en arrière.
A la maison, face à mon travail, j’ai eu une difficulté à sortir une production satisfaisante. La forme était rarement juste ou aboutie. Impossible d’exprimer ce que je voulais. Cette situation m’a propulsé en arrière lorsque j’étais étudiante et que j’étais face au même problème. Comment donner un statut, une justesse à quelque chose que nous voulons exprimer et qu’on n’y arrive pas ?
J’ai repris et sélectionné des rushs et séquences d’il y a 15 ans que j’avais faites précisément à la maison, en 8 clos, face à moi-même. Cette volonté acharnée de trouver une forme avait engendré beaucoup de tentatives sans réel succès.
Aujourd’hui, je les ai remontées entre elles pour redonner vie et un statut à ces séquences perdues.
Avec la situation actuelle, je retrouve cette incertitude d’il y a 15 ans. A nouveau, dernièrement, j’ai fait des tentatives de formes, sans grande conviction, j’ai filmé et remonté des bouts de séquences faites à la maison pour tenter de produire quelque chose.
Cette obstination finalement est une recherche de l’extérieur, de l’air frais, une escapade- et enfin NOUS la retrouvons ! »   Anna Byskov, mai 2020

Anna Byskov est née en 1984, diplômée de la Villa Arson (Nice), elle vit et travaille à Mulhouse.
Mettant son corps (et parfois son esprit) en jeu dans des actions décalées dans lesquelles le non-sens l’emporte sur la raison (comme plonger jusqu’à n’en plus pouvoir dans une piscine après avoir enfilé un maillot de bain trop grand, ou comme se taper la tête contre les arbres jusqu’à perdre le nord…), Anna Byskov ne rechigne pas à la tâche. Engagée physiquement dans son œuvre, pour la cause de l’autodérision, du burlesque et pour l’envie de tenter l’impossible, ses vidéos comme ses actions montrent une artiste déterminée dans son projet.
Anna Byskov se met également en scène en incarnant des personnages extravagants et stéréotypés. Ceux-ci empêtrés dans des conversations saugrenues déploient des dialogues paradoxalement absurdes et plausibles qui tendent souvent à relativiser la notion de folie ou d’idiotie.
Son travail de sculpture s’appuie lui aussi sur cette nécessité de contrer la valeur et la pérennité des choses et c’est donc avec le déséquilibre et le carton qu’elle construit. Comme pour être sûr que rien ne résistera au temps. Qu’une fois montrées, ses formes fragiles tomberont comme elle-même tombe quand elle tente de gravir ses escaliers de papier (L’escalier).

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Eddie Ladoire, Intimité zéro, avril 2020
Photographies, bande son

Cette proposition, regroupe un ensemble de captations sonores et photographiques du paysage quotidien de l’artiste, réalisées pendant la période de confinement.
En marge de la série Intimité (1 à 10), Eddie Ladoire envisage ce numéro « zéro » comme un acte de résistance poétique et un retour à l’essentiel…

Partie 1 (7H)

Partie 2 (12H)

Partie 3 (21H)

« Ma démarche d’écriture sonore a pour point de départ les enregistrements des propriétés de lieux d’architecture, de villes ou de paysages, sur le terrain. De cette collecte minutieuse de sons et par des montages étudiés, naissent mes travaux de composition ou d’installation et, notamment, la série intitulée Intimité, de 1 à 10. A chaque fois, je dédie une Intimité à un lieu à l’architecture particulière, à un quartier, à une ville. Ces installations faites de micro-fictions, de bribes d’intimités, de discussions, de sons du quotidien aptes à créer des images mentales, mêlent le temps figé par l’enregistrement et le temps présent de l’auditeur. La frontière entre le réel et l’imaginaire devient fragile. D’où proviennent les sons ? S’agit-il de sons diffusés ? De sons naturels ? Ces œuvres en écho se déploient comme une large partition sonore aux fragments multiples pour écrire un seul et même récit, celui des lieux traversés.
Ma pratique habituelle est nomade, je voyage. J’enregistre partout pour saisir les sons cachés sous les bruits ambiants, les variations infimes, les ondes mineures. Je rencontre aussi. Je capte les mouvements humains et les intimités en recueillant des paroles, confidences chuchotées, chants, cris. Je dois glaner des matériaux et sortir de mon atelier pour mieux y revenir.
Avec le confinement, bien sûr, je ne peux plus présenter mes travaux normalement mais, surtout, je ne peux plus développer ma pratique librement. Double peine. Pas de déplacement, pas de rencontres, le point mort a priori. Et une grande envie d’aller enregistrer les villes en partie désertées à laquelle je dois renoncer alors que l’occasion est inédite.
Confiné face au même paysage, je me découvre pourtant chanceux d’avoir une fenêtre avec vue, ouverte sur la nature.
J’observe avec plus d’attention ce paysage familier qui se modifie parfois de manière très subtile au fil des heures. Et j’écoute. Au bout de quelques jours déjà, je perçois de nouveaux sons, des chants d’oiseaux jamais entendus, des insectes qui investissent sans crainte les espaces abandonnés par l’homme. Plus de voiture, moins de trains, moins de sons liés à l’activité viticole, quelques voix depuis les jardins alentours. J’avais déjà beaucoup enregistré cet environnement que je ne reconnais plus à l’oreille.
Confronté à ma propre intimité, avec le besoin de retrouver l’extérieur et la nature, je reprends mes micros et mon appareil photo pour capter, matin, midi et soir, ce qui est désormais mon paysage quotidien et ses imperceptibles variations. Ce retour sur soi est aussi un retour à l’essentiel, l’Intimité zéro avant les autres Intimités.
L’installation Intimité zéro est comme un acte de résistance poétique : travailler malgré tout, créer malgré tout et fixer pour après cette nature retrouvée, la préserver au-delà du confinement, faire en sorte que l’homme y reprenne sa place mais plus modestement, avec humilité. C’est possible, je le vois et l’entends tous les jours.
Intimité zéro est mon témoignage. L’installation est composée de trois tirages photographiques et d’une bande-son »  Eddie Ladoire, avril 2020

Eddie Ladoire est né en 1975, il vit et travaille dans la région de Bordeaux.
Ayant suivi un double parcours en Arts appliqués et en musique électroacoustique au Conservatoire de Bordeaux, Eddie Ladoire est à la fois plasticien et compositeur. Cet artiste-activiste est aussi à l’aise dans ses projets d’expositions où le rapport à l’intime est omniprésent, que dans ses productions sonores où il nous invite à repenser nos rapports au son, à l’écoute, à l’espace et à la ville. Auteur de pièces radiophoniques et de cartes postales sonores, il a exposé dans de nombreux centres d’art ou manifestations d’art contemporain en France et à l’étranger. Il réalise des créations sonores pour des scénographies d’exposition, compose des bandes-son pour le cinéma, des vidéos ou des documentaires et développe aussi des projets numériques dont Listeners application pour des parcours sonores géolocalisés et Audio Room, outil pédagogique.
Depuis 2014, il déploie l’ensemble de ses projets au sein d’Unendliche Studio, son agence de production.

Le Petit Programme réunit 12 artistes familiers et partenaires fidèles de la programmation du centre d’art. Ce projet inédit et inhabituel leur consacre tour à tour une semaine de carte blanche pendant laquelle ils proposent chacun trois œuvres.
Le Petit Programme est également présenté dans l’espace d’exposition de La Kunsthalle Mulhouse, tel un projet en construction alimenté au fur et à mesure des semaines.

Initiation à la programmation par le jeu avec Audrey Lépicier, ingénieure documentaliste & intervenante pédagogique / Atelier Canopé 68, suivie d’une visite guidée de l’exposition Algotaylorism.

Avec trois niveaux de difficultés, Planète Code* est un jeu collaboratif qui propose un apprentissage débranché et progressif du code et de la programmation.
De 2 à 4 joueurs (peut se jouer en équipes), à partir de 8 ans.
Parties de 15 minutes.

Gratuit, sur inscription au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr
En partenariat avec le Réseau Canopé

* sur une idée originale de Lorin Walter et Matthieu Boucher